Kultur Regional

Kammermusik, spannend wie ein Krimi

Am Freitag startete das dreitägige „2. Festival Freinsheim konzertant“ im Von-Busch-Hof mit einem exzellenten Duo-Abend. Dabei bereiteten der Cellist Julian Steckel, kurzzeitig auch Freinsheimer „Artist in Residence“, und der Pianist Paul Rivinius Ludwig van Beethoven ein wahres Fest.

Von Gertie Pohlit

Mit einem hochkarätig besetzten, vier Veranstaltungen beinhaltenden kleinen Festival startete der Verein „Von-Busch-Hof-konzertant“ am Wochenende in die Saison 2022/23. Neun weitere Kammermusik-Veranstaltungen sollen bis Mai nächsten Jahres folgen. Wie beim Premiere-Festival vor drei Jahren war mit dem Cellisten Julian Steckel ein prominenter „Artist in Residence“ in Dauerpräsenz des Konzertreigens geladen; der obendrein gerade mit einem „Opus Klassik“ prämiert worden war, ebenso wie das Armida Quartett, Steckels Kammermusikpartner am Folgetag.

Zum Auftakt am Freitagabend wurde Beethoven pur serviert – zwei seiner insgesamt fünf Sonaten für Violoncello und Klavier, dazu die populäreren Variationenwerke zu Themen von Händel und Mozart. Und wem das allein schon Runzeln auf der Stirn verursacht, dem sei vorweg gesagt: Man erlebte eine gewiss andere Art von Spannung, aber mindestens genauso fesselnd wie ein guter „Tatort“-Krimi.

Eine wegweisende Sonate für Cello und KlavierJulian Steckels Partner am Flügel war – wieder einmal – Paul Rivinius, ein kammermusikalisches Alter Ego, mit dem er sich gerne auf dem Podium trifft, wenn beider proper gefüllte Terminkalender es zulassen. Natürlich war die A-Dur-Sonate, opus 69, das Paradestück im Programm. Entstanden 1808 im Dunstkreis der 5. Sinfonie, vor allem aber die nachfolgende, die „Pastorale“ in ihren Stimmungen schon erahnend – im Adagio etwa –, hat sie für die Gattung eine grundsätzliche Wegmarke gesetzt.

Mit ihr hat Beethoven das Cello emanzipiert, es aus seiner tief gründelnde Bestimmung im kammermusikalischen Kontext sozusagen nach oben geholt, es dem Klavier als ebenbürtigen und durchaus streitbaren Dialogpartner an die Seite gestellt. Mendelssohn, Brahms und eigentlich alle Tondichter der Nachfolgegenerationen haben das in ihren Werken wie selbstverständlich festgeschrieben. Bei Beethoven wirkt es noch wie ein Befreiungsschlag.

Das virtuose Potenzial ist, wie auch schon bei Nr. 2 aus opus 5, der wesentlich früher entstandenen g-Moll Sonate gleichmäßig auf beide Spieler verteilt. Und was Julian Steckel und Paul Rivinius daraus machten, war wirklich sensationell und mit Worten kaum adäquat zu beschreiben. Sie öffneten mit ihrer grandiosen, bis in subtilste Winkelchen präzise ausgeleuchteten Interaktion eine klangliche Schatzkammer, die allein durch ihren sich gefühlt ständig noch steigernden gestalterischen Esprit übertroffen wird.

Glasklares Klavierspiel von Paul RiviniusRivinius agierte vom Flügel aus mit kristallener Klarheit, seine Läufe glichen makellosen Perlenschnüre, und seine furiosen dynamischen Attacken ebenso wie sein weiches Geflüster spiegelte sich auf faszinierende Weise in Steckels konzertanter Gegenrede. Die war verbindlich bis intim, zuweilen emotional bis zum Exzess. Was keineswegs im Sinne eines plakativen, mit Attitüde beladenen Spiels missverstanden sei.

Aber Julian Steckel modellierte jede Phrase, jeden scheinbar noch so marginalen figurativen Moment mit solch nachdrücklicher Sorgfalt, gleichwohl berückender Selbstverständlichkeit, dass einfach nichts verlorenging, auch nicht, wenn die Jagd übers Griffbrett sich momentweise im Akrobatische zu verlieren schien. Und er genoss es sicht- und fühlbar, die kontemplativen Momente, etwa im Kopfsatz der 2. Sonate, schwelgerisch auszukosten. Sein Cello-Ton war permanent auf Hochglanzniveau, zuweilen von fast schmerzhaft schmelzender Schönheit, und besonders stark in Momenten des Innehaltens, des sanften Verebbens in dreifaches Piano. Vor dem nächsten Sturm.

Die Zugabe setzt noch ein Sahnehäubchen draufMit den jeweils 12-teiligen Variationenzyklen über ein Thema aus dem Händel-Oratorium „Judas Macchabäus“ beziehungsweise aus der Mozart’schen „Zauberflöte“ („Bei Männer, welche Liebe fühlen“) hievte das Duo ein bühnenreifes Spektakel fürs Kopfkino, eine wahre Laterna Magica an mosaikartigen Effekten und Stimmungen aufs Podium. Welch ein Genuss, der spiellaunigen Fantasie Beethovens im charmant eleganten, keck bis elegisch, umwerfend kontrastfreudigen und brillanten Schlagabtausch der beiden Künstler zu folgen. Nach Jubel setzte die Zugabe noch ein emotionales Sahnehäubchen obenauf: Faurés populäre „Sicilienne“, im Gesang des Cellos fast noch betörender als im Original für Flöte.

Quelle

Ausgabe       Die Rheinpfalz Bad Dürkheimer Zeitung – Nr. 212 vom Montag, den 12. September 2022

2. Konzert am 10.9.2022

Kultur Regional

Zur Sache: Das zweite Konzert des Festivals

Julian Steckel nun zusammen mit dem Armida Quartett

Von Inge Kirsch

Die Musik am zweiten Konzertabend Abend ist von Trauer unterlegt. Alle Stücke entstanden kurz vor dem Tod der Komponisten. In allen war – auf ganz verschiedene Art – das Drama des Lebenskampfes und die Sehnsucht nach Lebenslust zu spüren. Julian Steckels Cello spielte dabei eine zentrale Rolle.

Das Armida Quartett – das sind Martin Funda und Johanna Staemmler (Violine), Teresa Schwamm-Biskamp (Viola) und Peter-Philipp Staemmler (Cello) – hat kürzlich den Opus Klassik-Preis für Einspielungen der Streichquartette von Mozart gewonnen. Eine herausragende Qualität war zu erwarten. Die Bratschistin war allerdings erkrankt. Mit Barbara Buntrock, Professorin für Viola an der Musikhochschule Düsseldorf, fand man jedoch eine adäquate Vertretung.

Das Armida Quartett spielte Mozarts Streichquartett in D-Dur, KV 575, das erste seiner drei „preußischen Quartette“. Er hat sie für den preußischen König Friedrich Wilhelm II. geschrieben. Mozart war überschuldet und verzweifelt. Er hoffte vergeblich auf Aufträge oder eine Anstellung bei Hofe in Berlin. Der preußische König – Neffe und Nachfolger Friedrichs des Großes, der gerne und gut Flöte spielte – war ein Cellist, der sich mit Freuden virtuosen Stücken widmete. Daher gab Mozart dem Cello in diesen Quartetten eine prominente Rolle.

Das war deutlich zu hören, der erste Satz war ein Gespräch unter vier Instrumenten, wie Mozart es ausdrückte, das zeitweise zu einem Dialog zwischen erster Violine und Cello wurde. Von den vier Sätzen sind drei mit „Allegretto“ bezeichnet, sollten also fröhlich klingen. Die Trauer ist allerdings nicht zu überhören. Das Armida Quartett akzentuiert durch seine Spielweise die Gegensätze der Gefühle, die hier zum Ausdruck kommen. Zarteste Passagen wechseln ab mit heftigen Ausbrüchen und kraftvoller Lautstärke.

Das Quartett konnte nicht das ganze vorgesehene Programm spielen. Für das vorgesehene Stück vom Marko Nikoijevic fehlte die Zeit für Barbara Buntrock, mit den anderen zu üben. Man hätte es auch einfach weglassen können. Rainer Schick, der künstlerischer Leiter des Festivals, wies in seiner Einführungsrede darauf hin, dass das dritte Stück, Franz Schuberts Streichquintett C-Dur D 956, besonders lange dauere. Die Zeit für das Konzert wäre also nicht unverhältnismäßig unterschritten worden.

So leicht wollten es sich die Musiker aber nicht machen. Julian Steckel und Paul Rivinius beschlossen, kurzfristig eines der Bravourstücke für Cello einzufügen, die Sonate für Cello und Klavier von Claude Debussy. Sie entstand, als Debussy schon von seiner Krebserkrankung gezeichnet war. Auch in diesem Stück gibt es starke Gegensätze, melancholische Passagen, jähe Lautstärke, mal verhalten, mal rasend, mal gezupft, mal gestrichen, eine Demonstration der Möglichkeiten des Cellos.

Nach der Pause dann das längste Stück in Franz Schuberts Kammermusik . Hier kulminiert das Thema Sehnsucht und Verzweiflung. Es ist kein Quartett, sondern ein Quintett. Die dunklen Töne, die Tiefe der Trauer, die Todesangst wird verstärkt durch ein zweites Cello, hier gespielt von Julian Steckel. Eine Fülle schönster Melodien, jäh unterbrochen von plötzlicher Heftigkeit, weite Melodiebögen, die eine träumerische Stimmung zaubern, dunkle Töne und das Klopfen eines gezupften Cellos, das stets, auch bei den zu Herzen gehenden Schönheiten der Musik, an das Unheil, an den immer präsenten Tod erinnern.

Der innere Kampf Schuberts, der alle seine Pläne und Sehnsüchte aufgeben muss, die Verzweiflung, so jung an einer so schrecklichen Krankheit sterben zu müssen, ist so ergreifend, dass man als Zuhörer am Schluss ganz erschöpft ist. Auch für die Musiker ist es ein Kraftakt. Es erstaunt immer wieder, wie fast überirdisch leise sie spielen können und mit welcher Wucht dann aber die dramatischen Passagen geradezu hereinbrechen. Das ist eine Kunst, die das Armida Quartett in unglaublicher Weise beherrscht.

Das Publikum war begeistert. Es gab Ovationen und Bravorufe. Eine Zugabe gab es nicht, das konnte man nach dieser Anstrengung auch nicht erwarten.

Quelle

Ausgabe Die Rheinpfalz Bad Dürkheimer Zeitung – Nr. 212 vom Montag, den 12.09.2022